Crítica al Espectáculo EnCajarás dirigido por Gabriela daniell de susana Llahí

Encajarás.
Un espectáculo teatral de actores, objetos y música.
Susana Llahí

En la muy cómoda y recién inaugurada sala de “El Tinglado”, tuvimos oportunidad de presenciar una puesta que propone el sentido más allá de la realidad visible.
La pieza no es nada complaciente, cualquiera de los presentes sintió el aguijón. Como lo dice la voz en off: “… la memoria donde la toques duele … siempre entra el relámpago y el trueno en ese irascible fogonazo que es la vida …” Los recuerdos son sustancia inmanejable y aparecen en el preciso instante en que lo real y lo irreal se fusionan, siempre hay un detonante: un objeto, un sonido, un perfume que los hace aflorar … como en el instante en que una persona está por quedar dormida o está por despertar. De allí que el sueño y el recuerdo se parezcan tanto.
            Gabriela Daniell no elije al azar el personaje que se niega al recuerdo, no, es un monje, un personaje dedicado a la oración que debe reprimir todo lo mundano, que no puede permitir que lo seduzca nada mundanal y mucho menos si son recuerdos ligados a la ternura o a lo carnal. 
            El monje no desea recordar pero los sueños tienen el suficiente poder como para hacer que caiga la máscara, que aparezcan las capas ocultas de la conciencia, todo lo que obsesiona su mente: los objetos que actualizan la niñez, la ternura de una muñeca, el despertar de la codicia, una bella mujer y la vejez con su verdad rotunda. Dos personitas bufonescas son el detonante, ese algo que reaviva la memoria, de nada vale que su amo las encierre en la lata, son astutas, tan astutas que finalmente lograrán su objetivo, encajonar nuevamente los recuerdos. Las dos constituyen el lado oscuro del monje, aquel que por algún motivo, cíclicamente, se divertirá torturándolo.
            La escenografía, el juego con las cajas amplifica y agudiza el sentido: la opresión, el encierro y la posibilidad de la liberación, se logra así una verdadera totalidad de gesto y sonido, de imágenes visuales y auditivas. La escena en que una de las niñas termina en la caja como en un cadalso y la otra encintada en otra caja, son momentos que impactan y sofocan. Igualmente fuerte y visualmente bella opera la escena en que los recuerdos liberados aparecen en estado puro, en forma rítmica y en conjunto se regocijan porque “a la lata no …” y lo expresan con las palabras, los sonidos, la lengua, los brazos, las manos. En ese momento no hay gesto (mezquino y malicioso) que pueda desvanecerlos.
            La música en vivo: guitarra, flauta traversa, flauta dulce, saxo, genera un clima y una fuerza muy especial. En una pieza que apela a los sentidos, donde la imagen tiene similar o mayor fuerza que la palabra, las composiciones musicales de Pino Enríquez, Tobías Re e Iván Andreoni  alcanzan verdadera relevancia.
            Todos los elementos de la puesta se integran armónicamente logrando un puesta que busca nuevas formas para hablar de todo aquello que anida en el interior del ser humano.
           
Encajarás de Gabriela Daniell. Grupo El Colectivo. Teatro “El Tinglado”, Mario Bravo 948. T.E. Domingo 21:15 horas. Elenco: Martina Ballespin. Milasgros Duarte. Sofía Echave. Gabriela Golgdenberg. Micaela Morello. Esteban Nerone. Arnoldo Tytelman. Voz en off: Sergio Bressky. Asistente de dirección y producción: Malena Fainsod y Dolores Vazquez. Dirección de manipulación: Sergio Bressky. Composición musical: Pino Enríquez. Tobías Re. Iván Andrioni. Interpretación musical en vivo: Tobías Re. Gabriela Golgdenberg. Iván Andrioni. Interpretación musical grabada: Andrés Amerayo. Pino Enríquez. Marcelo Perrone. Fernando Capelletti. Iluminación: Betina Robles. Fotografía: Dolores Vazquez. Escenografía, diseño y realización: Grupo El Colectivo. Máscaras: Gabriela Daniell. Diseño gráfico e impresión: Fénix Ediciones Gráficas. Idea, dramaturgia y dirección: Gabriela Daniell

 

 

 

El TEATRO de Tadeuz Kantor   Entrevista para el segmento EL COLECTIVO de un diario zonal a partir de los seminarios dictados por Gabriela Daniell.

- Contános algo sobre la historia de este director llamado Tadeusz Kantor…
Tadeusz Kantor nació en Opole, un pueblo pequeño de Polonia, en el año 1915. Pasó su infancia en ese pueblo, en cuya plaza central convivían ceremonias católicas y judías que, según él, eran cercanas a lo teatral y marcaron influencias en sus futuras producciones.
En el año 1955 fundó su teatro, El Cricot 2, síntesis de un proceso cultural que comenzó con estudios de pintura y escenografía, que más tarde serían los ejes centrales de su trabajo. En sus obras, por ejemplo, la escenografía y el uso de los objetos adquirieron la categoría de personajes.
- ¿Los objetos actuaban?
Algo así. Una cámara de fotos antigua, por ejemplo, funciona como una ametralladora. Kantor decía “La fotografía mata”. Estos objetos cargados de simbología tenían un enorme poder de síntesis y poesía.
- ¿Kantor era surrealista?
Se sentía descendiente del movimiento dadaísta y del surrealismo, defendía las vanguardias, aunque sostenía en uno de sus últimos reportajes que ahora todos se sienten vanguardistas.
- Muchas de sus obras abordan el tema de la guerra. ¿Qué enfoque particular le daba a tu entender?
En sus obras, Willopole Willopole, La clase Muerta, El Loco y La Monja entre otras, jugaba con tensiones y  contradicciones. Los temas más tristes eran tratados desde la ironía y el humor logrando conmover profundamente.
Se proponía la búsqueda de un modelo para el actor a partir de una base teórica. En “Willopole Willopole”, por ejemplo, partió de una fotografía de su padre tomada en la víspera de su partida a la guerra de la cual nunca retornó, pero desarrolló la obra sobre un concepto más amplio. Dijo: “Lo que me interesa no es trabajar a partir del recuerdo de mi padre, al que casi no conocí, sino de la figura del conscripto marcado por el signo de la muerte”
- ¿Objetos vivos y personas marcadas por la muerte?
Sí. Los actores actuaban con un modelo cercano al muñeco o títere, con algo de seres “no vivos”. Pero esto no tiene que ver con una valorización del objeto en un sentido materialista. Al contrario, Kantor tenía una profunda base ideológica en la que consideraba que el arte y la economía no tienen ninguna relación por lo cual cuestionaba el modelo común del teatro ensayo- producción-estreno que no deja lugar a la verdadera búsqueda creativa.
- ¿Esa búsqueda está presente en tu quehacer artístico también? ¿Por qué Kantor aparece como una referencia para tu taller?
Sí, esa búsqueda de lo creativo, de lo artístico es uno de los motores de nuestro taller teatral. Todos los que estamos en esa búsqueda, tanto en la creación como en la transmisión a los alumnos, elegimos puntos referenciales, aquéllos que nos han tocado profundamente produciendo un fuerte cimbronazo a nuestros sentidos y de alguna manera los elegimos como guías de nuestro camino. En mi caso es un referente en la producción y en su mirada del arte, no necesariamente en en lo pedagógico de mi escuela.

El Actor y director

para Tadeusz Kantor                                                                                           
                                                                                          
Teatro del Alma, de las Profundidades, actuado por semiprofesionales.
El actor es un ser excluído de la sociedad cristiana , como el comerciante de feria.
Busca el momento en que el actor irrumpe como un ser vivo , mostrando sus miserias , sus debilidades, y dignidades, rebelde, libre , inconformista, ese día es para Kantor un día de su revolución y su vanguardia.
No le interesa que el actor sienta emoción . ni pasión y pretende que actúe sus propio personajes.
El actor necesita del director para sostener su intuición.
El director debe amplificar mediante ejercicios eso único que hay en cada actor.
El director es un artista que compromete su cuerpo adueñándose del cuerpo del actor, de su voz, como un medium que vibra.
El actor se convierte en una masa de energía que actúa y no piensa.
El actor está entre el hombre y el maniquí.
Kantor no busca actores profesionales la razón entre otras es que no pueden comprometerse a largo plazo con una obra, por lo económico , por la vanidad de ser ellos la obra y por la ambición de ser reconocidos por los medios masivos de comunicación.
(ninguno de esos aspectos tienen que ver con el arte)
Trabajó con sus actores  entre 20 y 35 años. Muchos de ellos provenían de la pintura.
“ Llegaremos al teatro desde el reino de otras  disciplinas. Las fuentes del teatro son la literatura dramática ,las artes visuales, la música y la arquitectura”

El personaje

Los personajes de Kantor son fantasmas de la memoria, no tienen pasado. Son el pasado.
Están nombrados por lo que hacen o ligados a un objeto( Vieja con bicicleta, hombre con violín, la fregona, la prostituta)
Expulsados del olvido y guardados en una fotografía no están ni completamente vivos ,ni muertos.
          Kantor en el escenario es como un dios mortal que mira sus recuerdos , los personajes sin pasión , ni deseos .
o nos emociona uno de ellos sino el cuadro general.

Gabriela Daniell

KantorKantor

 

El teatro en el nivel inicial

Entrevista para la revista digital de Educación Dilemas

Mucho es lo que los maestros pueden hacer con y a través del teatro en las escuelas, pero a veces no cuentan con los elementos específicos de la materia.
Intuitivamente intentan desarrollar propuestas, algunas con arribo a buen puerto y otras no tanto por falta de herramientas o desconocimiento del lenguaje específico.

Algunas veces el teatro  suele estar al servicio de “lo que se muestra hacia afuera”: Los actos escolares.
Se confunden objetivos , se enfatiza el producto final, no se valoran los procesos expresivos, comunicacionales y termina rigidizándose la búsqueda por la presión de la exposición.
Maestras agotadas, presionadas y chicos temerosos inhibidos son algunos de los posibles resultados.
Se pierden de vista los contenidos específicos del lenguaje teatral y se confunde “Acción”(actuar) con “Texto” como si lo único importante fuera lo “que se dice “y “no lo que se hace” , tomando como eje el producto en lugar del proceso y sin pensar en que estamos frente a un hecho artístico , estético y poético.

En el nivel de primaria existe el espacio curricular del teatro dentro de la caja horaria en el que docentes específicos desarrollan la materia, generalmente con los 4tos y 5tos grados de las escuelas del gobierno de la ciudad de Bs. As.
No llegan aún a todas las escuelas y menos a todos los grados , en muy pocos casos han podido ocupar los espacios del nivel inicial.

Los docentes de Inicial tienen la posibilidad de cursar materias de Teatro en los profesorados de formación y esto les abre una puerta.
Una vez recibidos , dentro del sistema educativo ,cuentan con la oferta de cursos de capacitación y perfeccionamiento docente  fuera del horario escolar o solicitando a través de la supervisión capacitadores del Centro de Pedagogías de Anticipación (Cepa) de la Secretaría de Educación del Gobierno Autónomo de la ciudad de Buenos Aires para armar proyectos de capacitación institucionales dentro de las escuelas.

Voy a contarles ahora mi experiencia.
Soy docente de Educación Inicial . Paralelamente a mi formación en educación comencé a formarme  en Teatro como Actriz y formadora de Actores  y con el tiempo  los caminos se fueron fundiendo uno con otro.
Siempre me interesó particularmente lo creativo en el jardín, el juego ,  la simbolización, el juego dramático y sus semejanzas y diferencias con el juego teatral.

Después de años de formación e investigación llegué a la Escuela de Capacitación Docente del Gobierno de la Ciudad de Bs. As. ( Cepa) como capacitadora.

Dicté y dicto cursos  en los que los objetivos del teatro dentro del aula son muy diversos.

Desde  cursos específicos de elementos del lenguaje teatral para inicial, el teatro como vehículo de comunicación, los actos escolares y el teatro, adaptación y puesta en escena de cuentos etc… hasta proyectos institucionales de teatro para maestros , capacitaciones distritales para personal de conducción, capacitaciones institucionales en relación a la comunidad educativa etc...
En estos últimos tengo la posibilidad de ir siguiendo el proceso de bajada al aula de los elementos adquiridos.

El teatro en los niños de 3 a 6 años :
Uno de sus juegos por excelencia  es el juego dramático.
Pero cuando se trata de juego teatral , es decir un juego entre actor y espectador con ciertas pautas, suelen inhibirse mucho.
Necesitan comenzar el  trabajo a sala total y con el docente implicándose en el juego a la par de ellos,  para tomarlo como referente y animarse  así a probar “ser otro”.
Deberíamos pensar en ciertos procesos a transitar :

  1. de un dramatizar espontáneo a un juego dramático asentado sobre cierta estructura.(Estructura Dramática. Concepto esencial de la situación teatral)
  2. De manejarse libremente en el espacio a poder estructurar el espacio.
  3. De dramatizar libremente a planificar.
  4. De jugar un rol a desarrollar un personaje.

( Cita. Graciela Paola y Adriana Wainer)

Para desarrollar estos procesos debemos profundizar en lineamientos de la materia, procesos evolutivos y contenidos a desarrollar.

Pero además el teatro es poesía en el espacio, metáfora , posibilidad de decir algo a través de otra cosa.
Los chicos tienen esta posibilidad naturalmente. Si observamos, si nos corremos de la tendencia de conducir y enseñar todo el tiempo y generamos las condiciones para que ellos busquen sus propios símbolos y metáforas los descubriremos por ej. Jugando con un palo como si fuera un caballo.
Es decir intentar acompañar procesos.

 

Finalmente recomiendo a los docentes la enriquecedora expreriencia del teatro  para sí mismos, la posibilidad de poner el cuerpo , de expresarse, romper prejuicios, desestructurarse acercarse a lo artístico estético y creativo y volver a la tarea con un cuerpo-mente emoción más cercano , quizás,  a la flexibilidad de los niños.

                                           Gabriela Daniell

 

Reflexión Final

La educación y el arte abren múltiples posibilidades de construcción y transformación tanto en el docente como en el alumno y toda la comunidad educativa.
La adquisición de herramientas y el conocimiento del lenguaje específico es una  llave que nos debería permitir generar las condiciones necesarias para que cada sujeto pueda transformarse estableciendo relaciones de reciprocidad.
Intentemos que cada momento en el que trabajemos respete los procesos individuales y grupales sin poner la mirada en el producto final.

                                         Gabriela Daniell

Libros recomendados:

Peter Brook. El Espacio Vacio.Ed. Península

Hilda Elola. Teatro para Maestro. Ed. Marimar

Perla Zelmanovich.  Efemérides, Entre Mito y La Historia. Ed. Paidós  (Para el trabajo en los actos escolares)